Vida de una pintura

¿Cuál es una expectativa realista para la ‘vida útil’ de una pintura? ¿Cuánto tiempo se puede esperar que dure una pintura cuando se utilizan las mejores prácticas y materiales de archivo razonables?

No tenemos respuestas definitivas, pero intentaremos poner las cosas en perspectiva para usted. El cuerpo de trabajo más antiguo que se conserva de la tradición de la pintura occidental, que es estructuralmente similar a las pinturas tal como las conocemos hoy, con soporte de paneles, capas de pintura y base, y barniz, son retablos de finales del siglo XIII. Es difícil decir si las pinturas contemporáneas también durarán 700 años o más. El ciclo de vida de una pintura depende de muchos factores, incluido el envejecimiento natural, las condiciones de almacenamiento, los daños accidentales, la reparación o la pintura, y la venta y reventa. Veamos estos factores y algunas estaciones típicas en la vida de una pintura.

Almacenamiento: un lugar seguro

A menos que una pintura pertenezca al grupo culturalmente más importante de una colección, es probable que el archivo sea su hogar permanente. Sin embargo, se están haciendo esfuerzos para digitalizar las colecciones y más museos tienen depósitos visibles. Alrededor del 95% o más de las colecciones de los museos están almacenadas y el mantenimiento de estos espacios de almacenamiento constituye una parte importante de los presupuestos de los museos. [1] Hay una tendencia a que los almacenes de los museos se sobrecarguen y las obras de arte se almacenen en espacios de almacenamiento alquilados temporalmente, lo que significa transportes más frecuentes, o se mantengan en espacios provisionales como pasillos. [2] En general, sin embargo, podemos considerar el almacenamiento del museo como un lugar seguro para las pinturas, con ambientes bien controlados. En comparación con el almacenamiento profesional de colecciones públicas o privadas, los espacios de almacenamiento de los artistas pueden ser una historia completamente diferente. La falta de espacio puede tentar a los artistas a apilar o enrollar sus pinturas con demasiada fuerza. Otros factores de riesgo típicos son los climas húmedos que causan moho y fluctuaciones extremas de temperatura, así como plagas y fugas. Idealmente, las pinturas se almacenan lejos de la luz ultravioleta, a niveles de humedad relativa entre 40 y 60 % y a temperaturas entre 60 y 80 °F / 16 y 25 °C. Las pinturas deben estirarse en lugar de enrollarse y almacenarse verticalmente, sin que nada toque la superficie.

Aquí hay enlaces a artículos con consejos de mejores prácticas de almacenamiento:

Tránsito: la vida aventurera de las pinturas itinerantes

Cajas de envío de bellas artes.

Las pinturas se mueven más que nunca, para exposiciones temporales itinerantes y debido a las compras internacionales de marchantes y coleccionistas de arte, aunque la pandemia ha provocado una desaceleración temporal. Hay empresas de logística de bellas artes, como Hasenkamp y Gander & White, con manipuladores de obras de arte bien capacitados y estándares de empaque y embalaje de última generación, que son utilizados por museos, casas de subastas y coleccionistas privados en todo el mundo. Además, los conservadores de museos generalmente acompañan las obras de arte importantes del museo durante el tránsito. Todo ello minimiza los riesgos. No obstante, la mayoría de las reclamaciones de seguros por daños en obras de arte surgen del transporte, debido a un mal manejo o envío y embalaje inadecuados. [3] Aquí está nuestro consejo de embalaje: Guía de recursos de embalaje y envío.

Impacto de los materiales y la técnica

Con sus elecciones de materiales y técnicas, los artistas tienen una gran influencia en la longevidad de sus obras de arte. Cuando miramos hacia atrás en la historia, encontramos una gran demostración de la correlación entre los materiales y la longevidad de una pintura en las pinturas renacentistas ‘Tüchlein’. Se trataba de pinturas al temple (pigmento ligado con cola animal) o pinturas al temple de huevo (pigmento ligado con yema de huevo y agua) sobre lino simplemente encolado (encolado con cola de pergamino, goma arábiga o almidón). Las pinturas de Tüchlein se originaron en Inglaterra y fueron populares hasta finales del siglo XV en Italia y hasta alrededor de 1570 en Alemania y los Países Bajos. En total, solo 100 pinturas de Tüchlein de artistas holandeses, alemanes e italianos han sobrevivido hasta el día de hoy, mientras que todavía tenemos muchas más pinturas en paneles de madera de la misma época. [4] Del pintor medieval Albrecht Dürer, por ejemplo, todavía se encuentran en colecciones 11 pinturas al temple tüchlein y 84 pinturas al óleo sobre tabla. Los artistas eran conscientes de la naturaleza efímera de las pinturas al temple sobre lino, por lo que se utilizaron principalmente para bocetos, estandartes eclesiásticos festivos o para la decoración de paredes, siendo alternativas más económicas que los tapices y más rápidas de hacer que las pinturas al óleo sobre tabla. El ‘problema’ en la técnica tüchlein es comparable a las modernas pinturas de manchas, donde el lienzo en bruto vulnerable está en gran parte expuesto. Además, las películas de pintura al temple son de naturaleza quebradiza. Aplicado sobre un soporte flexible y, a menudo, sin estirar, esto conduciría a la delaminación de las capas de pintura, lo que haría que las representaciones fueran menos nítidas o legibles.

La Adoración de los Reyes, pintura tuchlein de Pieter Brueghel el Viejo, hacia 1556.

Obviamente, los materiales de arte de mayor calidad tienen su precio y, a veces, escuchamos a los artistas argumentar que pintores como Picasso y Pollock también usaron pintura para casas y que sus obras están en excelentes condiciones. Generalmente desaconsejamos el uso de pinturas de casa sobre soportes flexibles, si bien es cierto que Picasso y sus contemporáneos utilizaron y modificaron pintura de casa en algunos de sus cuadros y estas pinturas han aguantado mejor de lo esperado. [5] En particular, la primera pintura de esmalte comercialmente disponible llamada Ripolin, que se ha identificado en varias pinturas de Picasso, era químicamente similar a las pinturas de tubo del artista. [6] No sabemos si las pinturas y lacas para casas contemporáneas se mantendrían igual de bien o no. Las capas de pintura agrietadas y hendidas se han relacionado con el uso experimental de pinturas para el hogar en las obras del pintor abstracto moderno Hans Hofmann. [7] y las piezas experimentales en técnica mixta del artista contemporáneo Anselm Kiefer son, aunque intencionadamente, tan frágiles que no es posible transportarlas sin dañarlas. [8] En general, es importante tener en cuenta que el hecho de que una pintura parezca estar en buenas condiciones cuando se ve en una galería, no significa que su estado original esté realmente bien conservado. Las restauraciones bien ejecutadas pueden ser difíciles de ver, especialmente en condiciones de iluminación mínima y desde una distancia segura común en áreas de exhibición pública.

Restauración y Conservación: Riesgo o Rescate

La mayoría de los museos no tienen un plan de conservación para toda su colección, sino que solo pueden permitirse el tratamiento de pinturas para préstamos y exhibiciones especiales, lo que se reduce aproximadamente cada 80 a 100 años. [9] Aunque hay excepciones. Las pinturas culturalmente muy importantes podrían terminar en el estudio de conservación con más frecuencia. La Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp de Rembrandt (1632, Mauritshuis) sufrió 23 tratamientos documentados desde 1700 hasta 1996. No por su mal estado, sino porque una sección de la pintura había sido pintada varias veces según los intereses actuales. [10] De hecho, las restauraciones anteriores y su eliminación constituyen una parte importante del trabajo de los conservadores de hoy. Algunas prácticas de restauración obsoletas en realidad estaban dañando las pinturas, pero también nuestra perspectiva y sentido de la estética ha cambiado. [11] Ahora tenemos una mayor apreciación de la intención de un artista y estamos más dispuestos a aceptar cualquiera que haya sido la decisión del artista para su obra de arte. Un buen ejemplo de la violación de la autoridad sobre las obras de arte es el barnizado de las pinturas impresionistas, que debían permanecer sin barnizar. Como el brillo de la superficie mate de las pinturas al óleo sin barnizar era una novedad en la década de 1870, los coleccionistas de arte y las galerías barnizaban estas pinturas sin el consentimiento del artista. La eliminación de estos barnices plantea nuevos retos a los conservadores. Una de las famosas pinturas de los Girasoles de Van Gogh, por ejemplo, que data de 1889 (ahora tiene 133 años) se ha sometido al menos a 4 tratamientos, todos alrededor del barniz y la apariencia de la superficie. [12] Desde entonces, el amarillamiento de los barnices y la necesaria eliminación y rebarnizado ha sido una de las principales causas de los tratamientos de restauración. Antes de que los restauradores tuvieran solventes modernos, buenas luces y herramientas apropiadas para la ampliación, era común que las capas de pintura se desgastaran durante la eliminación del barniz, lo que hacía necesario volver a pintar. Hoy en día, disponemos de modernas resinas removibles para barnices para cuadros que son mucho más resistentes al amarillamiento y, además, a menudo contienen inhibidores UV. La transparencia dentro de la comunidad conservacionista, los altos estándares educativos y los materiales y herramientas en constante desarrollo y mejora disponibles para los conservadores, hacen que sea cada vez menos probable que las pinturas sean dañadas o incluso destruidas por los conservadores profesionales contemporáneos.

Pérdida total: el final o un nuevo comienzo

Cuando una pintura se daña sin posibilidad de reparación, se puede declarar una «pérdida total». Dañado sin posibilidad de reparación no significa necesariamente que no se pueda reparar de nuevo, pero el costo del tratamiento de conservación se estima más alto que el valor de la pintura y es más barato para las compañías de seguros pagar el valor de la pintura. Tales pinturas oficialmente ya no tienen valor de mercado y se destruyen o se colocan en los almacenes de las compañías de seguros con la esperanza de venderlas nuevamente. El arte recuperado tiene un gran mercado gris, aunque los artistas pueden negarse a trabajar bajo la Ley de Derechos de los Artistas Visuales, lo que hace que la reventa sea imposible.[13] Algunas instituciones educativas trabajan con pinturas tan devaluadas en sus programas de capacitación en conservación de pinturas.

Una palabra final

Aquí en GOLDEN hay un equipo completo de especialistas en materiales y aplicaciones, disponible para brindarle consejos sobre las mejores prácticas y responder a sus preguntas sobre materiales individuales. Además, eche un vistazo a nuestra sección de información técnica en nuestro sitio web, nuestros videos y artículos aquí en Just Paint. Háganos saber si hay un tema que aún no hemos cubierto o en el que le gustaría que profundicemos. Nos esforzamos por hacer que nuestro contenido sea relevante y útil para los artistas, por lo que sus comentarios y sugerencias son bienvenidos.

https://www.goldenpaints.com/technicalinfo

Referencias:

[1] https://qz.com/583354/por-que-hay-tanto-gran-arte-del-mundo-almacenado/

[2] https://audit.wa.gov.au/reports-and-publications/reports/management-of-the-state-art-collection/introduction-and-background/

Y http://www.museums.ca/uploaded/web/docs/CMACollectionsMNGT2013REPORTENG.pdf

[3] https://www.burnsandwilcox.com/60-percent-of-art-damage-claims-arise-from-transport/

[4] https://www.youtube.com/watch?v=059-T3MeGms

[5] https://www.youtube.com/watch?v=lN_IRuFj0Ww

[6] https://www.tandfonline.com/doi/full/10.1179/1945233013Y.0000000012?scroll=top&needAccess=true

[7] https://incca.org/articles/phd-research-hans-hofmanns-last-lesson-study-artists-materials-durante-last-decade-his

[8] https://www.youtube.com/watch?v=HaWt0tuPErU&t=2s

[9] https://dl.acm.org/doi/10.1145/1434763.1434766

[10] Wadum, Jorgen y Petria Noble, ¿Existe un problema ético después del vigésimo tercer tratamiento de la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp de Rembrandt?, ICOM-CC 1999.

[11] https://www.cam.ac.uk/research/news/saving-a-renaissance-masterpiece-fitzwilliam-museum-wins-award-for-decade-long-restoration

[12] https://www.vangoghmuseum.nl/en/about/knowledge-and-research/restorations/conservation-treatment-sunflowers

[13] http://salvageartinstitute.org/20130404_Laura%20Gilbert_To%20salvage%20and%20sell_The%20Art%20Newspaper.pdf